El Festival de Teatro Clásico de Olite

El Festival de Teatro Clásico de Olite cuenta con el patrocinio del Ministerio de Cultura, Ayuntamiento de Olite y Autopistas de Navarra y con la colaboración de Acción Cultural Española, del Palacio Real de Olite, el Consejo Regulador Denominación de Origen Navarra y la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

Directora del Servicio de Acción Cultural: Dori López Jurío
Director Artístico: Álex Ruiz Pastor
Comunicación: Montse Pérez
Coordinación técnica: Andoni Cortijo
Oficina del Festival: Calle Navarrería 39. 31001 Pamplona
Dirección artística: Teléfono: 607 666 396    festivaldeolite@navarra.es
Comunicación: Teléfono 848 424 686           mperezom@navarra.es

Entornos
Este año los “entornos” que guían el Festival de Teatro Clásico de Olite incluyen un gran paso en la definición de un proyecto de festival, como el hecho de convertirse en coproductor de un espectáculo durante largo tiempo planificado, y junto a nada menos, que el Festival de Teatro Clásico de Almagro, y las Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de Almería. También hay que destacar la inclusión de master class con algunos de los mejores especialistas en las diversas disciplinas del teatro clásico.

Además, los distintos entornos, descubren nuevas rutas para entender y seguir la programa- ción, y profundizar y disfrutar de los clásicos.

Coproducción
Desde principios del año 2010 empezó a gestarse este proyecto, que ha dado como resultado una coproducción entre el Festival de Teatro Clásico de Olite, el Festival de Teatro Clásico de Almagro y las Jornadas del Siglo de Oro de Almería. Un proyecto que hace crecer al festival con unos magníficos compañeros de viaje:

• El Invisible Príncipe del Baúl – Teatro del Velador

Curso de iniciación al teatro prebarroco
El curso pretende realizar un acercamiento teórico práctico al Teatro Medieval y Renacentista, de manera que los alumnos puedan ampliar su perspectiva sobre las posibilidades que ofrece la escenificación del Teatro Clásico, yendo más allá de los parámetros Barrocos con el equipo de Nao d’amores. Las materias a tratar serán las siguientes:

• Sentido contemporáneo del teatro prebarroco. Ana Zamora
• Recursos fonéticos y lenguaje poético del medioevo y renacimiento. Vicente Fuentes
• Técnicas interpretativas para abordar el prebarroco. Ana Zamora
• El teatro de títeres como recurso expresivo en el teatro clásico. David Faraco
• Música escénica en el medioevo y renacimiento. Alicia Lázaro
• Buscando una estética elocuente para el repertorio prebarroco. Deborah Macías, Miguel Ángel Camacho
• La danza histórica y la danza popular, recursos expresivos contemporáneos en el teatro clásico. Javier García Ávila

En torno a la vida y la muerte. Las danzas y el árbol
El paradigma de la vida y la muerte, constante argumento en los textos clásicos, y en todo el teatro, reflejado a través de las ceremonias medievales de las danzas de la muerte que se de- sarrollaban en toda Europa, y del mito del árbol de la vida, presente en diferentes formas en todas las culturas, y que tuvo una especial relevancia en la iconografía barroca.

• Danzas de la Muerte. Nao d’amores
• Solum. Teatro do Mar (Lisboa)

Shakespeare, Shakespeare
En torno al autor máximo representante del teatro isabelino y referente continuo en el teatro universal.

• Mujeres de Shakespeare. El Brujo
• Macbeth. Ur Teatro
• Érase una vez… Macbeth. Teatro Bajo la Arena

En torno a las fuentes: mito, leyenda, realidad
Los argumentos del teatro clásico, en muchas ocasiones se alimentan de historias ya existentes, que provienen de la mitología, de leyendas arraigadas en la memoria colectiva, o de hechos reales que constituyen el soporte para desarrollar los textos.

• El joven burlador. La Calderona (Chile)
• El caballero de Olmedo. Proyecto La Barraca, Universidad de Murcia
• El castigo sin venganza. Rakatá
• María Estuardo. Tranvía Teatro/La Fundición
• El cómico de los caminos. Pablo del Mundillo

Mil siglos de amor cualquier instante
El amor era un tema siempre exitoso en el teatro clásico. Con este verso de Lope de Vega refle- xionamos en torno a las múltiples maneras en que este se vio reflejado, y al tratamiento que recibió de los diferentes autores.

• Los Locos de Valencia. Teatres de la Generalitat
• La Celestina. Secuencia 3
• Égloga de Placida y Vitoriano. Univ. de Valle (Colombia)
• Entre llamas arder sin encenderse. Raquel Andueza

Lope de Vega y Navarra
Lope de Vega hizo referencia en muchas de sus obras a Navarra, y situó varias de ellas. En la pasada edición del festival, estuvo presente la obra “El príncipe despeñado” localizada en el Barranco de Peñalén, y en esta ocasión “El maestro de danzar”, que se desarrolla en Tudela.

• El maestro de danzar. Teatro Defondo

Espacio experiencia
En esta ocasión el Palacio de Olite se convertirá en un espacio, en el que el público va a dis- frutar de experiencias en torno al mundo de los clásicos, del teatro, del conocimiento del escenario… Desde los más pequeños que asistirán a su primera representación, hasta los niños que escucharán los clásicos de forma peculiar junto a sus padres, o los adultos, que podrán experimentar como se dice un verso clásico, guiados por los actores.

■ Experiencia de iniciación a los estímulos escénicos: Blop. Dante Teatro
■ Como contar los clásicos a los niños: Erase una vez… Macbeth. Teatro Bajo la Arena
■ Experiencia de verso para espectadores: Verso/osreV. La Nave

Ciclo de conferencias públicas
En el Museo del Vino, ciclo de conferencias y encuentros con actores, directores y expertos en teatro clásico, que contarán sus experiencias, sus emociones, sus recorridos, y los motores que mueven el teatro y los clásicos.

• 10 años de Nao d’amores: Una travesía entre pasado y futuro. Ana Zamora
• La muerte en danza – conferencia dramatizada. Francesc Massip
• El actor ante el teatro clásico. Luis Miguel Cintra

e-class(3) Encuentros Escuelas Superiores de Arte Dramático en torno a los clásicos
En esta edición “e-class(3)” evoluciona un poco más en la definición de encuentro, puesto que no se limita a las representaciones de los alumnos de las escuelas, sino que se además se complementa con el Curso de Iniciación al Teatro Prebarroco pensado y diseñado especifica- mente para el Festival de Olite, en el que van a recibir formación especializada sobre unas materias poco tratadas en la formación actoral. Ademas, se amplía el tiempo de estancia de los participantes para que conozcan todos los trabajos presentados, y se produzca un verdadero encuentro de trabajo, de reflexión, de conocimiento… de teatro.

Entorno calle
La calle y sus entornos acogen historias planteadas desde otros lenguajes y otras técnicas dife- rentes, pero que siempre nos recuerdan a los clásicos. En esta ocasión con dos escenarios bien diferenciados según el tipo de propuesta.

• Barrocos. Morboria
• Las marquesas en-cantando. Malabar (Francia)
• La Caja de Pandora. Maintomano (Francia)
• Antes de la función. T’ombligo
• Solum. Teatro do Mar (Lisboa)
• Égloga de Placida y Vitoriano. Proyecto La Barraca.Univ. de Valle (Colombia)
• El caballero de Olmedo. Proyecto La Barraca, Universidad de Murcia
• El (joven) burlador. Proyecto La Barraca. La Calderona (Chile)
• El cómico de los caminos. Pablo del Mundillo

El vino del personaje
Un director, un enólogo, un personaje, un vino, son las claves que se conjugan para sumergirse en el mundo de la reflexión y el conocimiento y disfrutar a través del lenguaje, las imágenes, la abstracción y la erudición.

Nuevas sedes
Consolidación Plaza Cantarería y Ujué
Colegio Príncipe de Viana

Entorno internacional
En la pasada edición se dio un gran paso en la participación internacional, que este año se mantiene.

Compañías de Portugal, Francia, Colombia, Chile.

Exposición
Vestuario de la Compañía Nacional de Teatro Clásico

Festival de las compañías. 10 años Nao d’amores
Este año se celebra en el  Festival de Teatro Clásico de Olite el décimo aniversario de la Compañía Nao d’amores, un proyecto estable de investigación escénica especializado en el teatro medieval y renacentista. El festival cele- bra este acontecimiento con la presentación de su espectáculo, la realización de un curso especializado con todo su equipo y un ciclo de conferencias. Por ello, al igual que otros años se hizo con actores, directores, autores… esta edición del Festival de Teatro Clásico de Olite, se dedica a las compañías, que han conformado estilos propios de trabajo, basando su traba- jo en los clásicos, y que pueden celebrar todas ellas una larga carrera.

• Nao d’amores
• Ur
• Rakatá
• Morboria
• Teatro del Velador
• Tranvía Teatro
• Teatro de Fondo
• La Fundición

Estreno Oligitum
Coproducción del Festival de Teatro Clásico de Olite y el Ayuntamiento de Olite. Una compo- sición de Vicente Egea para quinteto de metales, inspirada en el Palacio de Olite, y que tendrá su estreno en el festival.

• Oligitum. Pentaphonía Brass

Profesionales navarros

• Pentaphonía Brass
• Teatro bajo la arena
• La nave
• Raquel Andueza con
• Anfione
• Pablo del Mundillo
• T’ombligo
• Rakatá

Otros referentes

• Otras producciones del festival: Érase una vez Macbeth, Antes de la función
• Colaboración INAEM
• Colaboración AC/E
• Festival ALT
• Coproducción. presentación Almería
• Curso
• Becarios
• Jurado Barraca
• Anuario gráfico Kadmus
• 10 años Nao d’amores

Programación por espacios

LA CAVA
15 y 16 de julio. Rafael Álvarez, El Brujo. Mujeres de Shakespeare
19 de julio. Teatro del Velador. El Invisible Príncipe del Baúl, de Álvaro Cubillo de Aragón
22 y 23 de julio. Centre Teatral de la Generalitat Valenciana. Los Locos de Valencia, de Lope de Vega
27 de julio. Nao d’amores y Teatro da Cornucópia. Dança da Morte / Dança de la Muerte, de Ana Zamora
29 y 30 de julio. Ur Teatro. Macbeth, de William Shakespeare

PLAZA CARLOS III EL NOBLE
15 de julio. Morboria Teatro. Barrocos
23 de julio. Compañía Maintomano. La caja de Pandora
27 de julio. Compañía Malabar. Las marquesas en-cantando
31 de julio. Teatro do Mar. Solum
15, 16, 22, 23, 29 y 30 de julio. Antes de la función

COLEGIO PRÍNCIPE DE VIANA
17 de julio. Compañía Rakatá. El castigo sin venganza, de Lope de Vega
21 de julio. Tranvía Teatro / La Fundición. María Estuardo, de F. Schiller
24 de julio. e-class. Escuela de Actores de Canarias. Los amores del Fénix
25 de julio. e-class. ESAD de Castilla y León. El sueño de una noche de verano, de W. Shakespeare
26 de julio. e-class. ESAD de Málaga. La cena del rey Baltasar, de Calderón de la Barca
28 de julio. Secuencia 3. La Celestina, de Fernando de Rojas
30 de julio. Teatro Defondo. El maestro de danzar, de Lope de Vega

PLAZA DE CANTARERÍA
21 de julio. Universidad de Valle Colombia. Égloga de Placida y Vitoriano, de Juan del Encina
22 de julio. Aula de Teatro de la Universidad de Murcia. El caballero de Olmedo, de Lope de Vega
28 de julio. La Calderona, Pontificia Universidad Católica de Chile. El (joven) burlador, de Tirso de Molina
30 de julio. Pablo del Mundillo. El cómico de los caminos

PALACIO DE LOS REYES DE NAVARRA
15, 16, 22, 23, 29 y 30 de julio. La Nave. Verso/osreV
16 de julio. Pentaphonía Brass. Oligitum
18 a 22 de julio. Teatro Bajo la Arena. Cómo contar los clásicos a los niños: Érase una vez… Macbeth
23 y 24 de julio. Dante Teatro. Blop! Iniciación a los estímulos escénicos. Recomendado 0-3

MUSEO DEL VINO
El vino del personaje
17,23y 30 dejulio

Conferencias e-class (3)
25 de julio. 10 años de Nao d’Amores: una travesía entre pasado y futuro. Ana Zamora
26 de julio. La muerte en danza. Conferencia dramatizada. Francesc Massip
27 de julio. El actor ante el teatro clásico. Luis Miguel Cintra

UJUÉ
24 de julio. “…entre llamas arder sin encenderse…”. Raquel Andueza y grupo Anfione

GALERÍAS MEDIEVALES
Del 15 al 31 de julio. Vestuario de la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Exposición

INFORMACIÓN Y VENTA DE ENTRADAS

Viernes 15 y sábado 16 de julio. 22,30 horas

RAFAEL ÁLVAREZ, EL BRUJO
Mujeres de Shakespeare
Dirección: Rafael Álvarez

Rafael Álvarez El Brujo dedica su último espectáculo a los personajes femeninos creados por el gran Shakespeare. Catalina (La fiera domada), Rosalinda (Como gustéis), Beatriz (Mucho rui- do y pocas nueces), Julieta… Mujeres que enamoran por su ingenio, inocencia, su luz y romanticismo.

A partir de textos del crítico norteamericano y experto en Shakespeare Harold Bloom, El Brujo construye su particular homenaje a la mujer y al bardo inglés, que exploró la conciencia feme- nina a sabiendas de su mayor sabiduría, perspicacia y sentido de la realidad.

De Shakespeare se ha dicho todo. Pero como ya se sabe, Shakespeare se sale. Reserva siem- pre algún descubrimiento nuevo para el oído atento y curioso de sutilezas. En la explora- ción del sentido y el juego de su sonido, esta es mi primera comunión. He seguido el rastro de un pontífice de la “bardolatría”, tal vez uno de los pocos vivos todavía hoy. Un sabio que dedicó su vida al estudio de la obra de Shakespeare; el crítico norteamericano Harold Bloom, autor de un libro imprescindible sobre el universo Shakespeare: “La invención de lo humano”.

Yo quería hacer un espectáculo diferente, pero estando de vacaciones en el Caribe me salieron al paso las mujeres de Shakespeare. Me prendé de Rosalinda (Cómo gustéis) de su ingenio triunfante, de su luz y de sus respuestas. De Catalina (La fiera domada), de Beatriz (Mucho ruido y pocas nueces”) y de Julieta, tan sublime que te hace sentir culpa- ble de albergar cualquier sentimiento de ironía (por la edad, se entiende) o de escepticismo frente a la inocente plenitud absoluta del amor romántico. En fin, las amo. Y pienso que no es difícil amarlas si se las conoce. También amó Shakespeare la belleza oscura de su enigmática Dama de los sonetos. ¿Quién era? Desde el Caribe se agrandan los ecos de ese viejo misterio que, parece ser, convirtió a Shakespeare en una autoridad mundial en temas de cuernos. Pero el genio no tiene sexo. Shakespeare exploró la conciencia femenina a sabiendas de su mayor sabiduría, perspicacia y sentido de la realidad, frente al instinto elemental, básico y simplón del macho narcisista. En esta era de cambio de paradigma –y a ver si ya viene de verdad de una vez el cambio- esta reflexión es interesante. Patriarcal, ambivalente, homosexual, bisexual, feminista o femenino, Shakespeare no es fácil de atrapar. Con todas ellas –de las mujeres víctimas de tragedia, sólo Julieta las representa- espero jugar, gozar y reír en las fauces del fin de una época. Saludos a la que viene: Ellas.

Dirección: Rafael Álvarez
Actor solista: Rafael Álvarez El Brujo
Violín: Javier Alejano
Fotografía: Pilar Gallar
Diseño gráfico: Trébol Propuesta
Gráfica Regidor:
Juan Bastida Realización de atrezzo:
Alicia Lozano Realización de vestuario:
Talleres Moustellier
Director Musical: Javier Alejano
Música original compuesta por Javier Alejano
Realización Escenográfica:
Antigüedades Burgebrach
Diseño de Iluminación: Miguel Ángel Camacho
Escenografía: Roberto García
Asesoría Literaria: Richard Michael
Directora de Producción: Herminia Pascual
Jefe Técnico: Oscar Adiego
Distribución: Gestión y Producción Bakty, S.L

Martes 19 de julio. 22,30 horas

TEATRO DEL VELADOR
El Invisible Príncipe del Baúl
de Álvaro Cubillo de Aragón

Dirección, adaptación y dramaturgia: Juan Dolores Caballero

Álvaro Cubillo de Aragón publicó El Invisible Príncipe del Baúl en 1654. La comedia narra la his- toria de dos hermanos mellizos que luchan por el amor de la misma dama. Una de las dife- rencias principales entre los dos radica en que el primero en nacer es un príncipe y como tal recibe todos los privilegios, mientras que su hermano, por nacer en segundo lugar, tiene des- tinada una vida de pobreza y obediencia. El príncipe, además, cree tener el don de la invisibi- lidad, proporcionado por una pluma mágica que le compra a un charlatán.

La competición entre los hermanos dará lugar a divertidos enredos, engaños y afilados due- los dialécticos donde la astucia triunfa sobre la necedad y donde se advierte de la cegadora soberbia y la corruptibilidad del poder.

Cubillo de Aragón, natural de Granada, ejerció la profesión de escribano en su ciudad natal, y ocasionalmente trabajó como censor de comedias. Posteriormente vivió en Córdoba y Sevilla, donde frecuentó los círculos literarios, hasta que se estableció en Madrid, donde compaginó su trabajo como escribano del ayuntamiento con la literatura. Álvaro Cubillo compuso alre- dedor de cien obras dramáticas y numerosa obra lírica. Destaca especialmente en la comedia de costumbres, en la que se muestra un sagaz observador del detalle menudo y significativo. Utiliza los recursos estilísticos del conceptismo y del culteranismo y es un experto en el arte de divertir al espectador.

Teatro del Velador, creado en 1990 por Juan Dolores Caballero, se ha planteado desde sus ini- cios la búsqueda y la investigación en el ámbito contemporáneo como manera de crear y defi- nir un lenguaje propio, sin olvidar los orígenes y raíces de la cultura andaluza. La compañía define su teatro como teatro “Bruto”, bebiendo y basándose en el “arte bruto”, donde las téc- nicas y los sistemas de representación proceden de una invención completamente personal, desafiando o ignorando los cánones clásicos de equilibrio y armonía, y prefiriendo el desequilibrio, el exceso y lo inacabado.

Reparto
Matilde: Azahara Montero
Rosaura: Eva Rubio
Julio: Juan Luis Corrientes
Pero Grullo: José Machado
Federico: Alfonso Naranjez
César: Abel Mora
Príncipe: Alex Peña
Composición Musical: Inmaculada Almendral
Iluminación: Isaac García
Vestuario: Mai Canto
Construcción Escenografía: Egea Eventos
Dirección, adaptación y dramaturgia: Juan Dolores Caballero
Coproducción del Festival de Teatro Clásico de Olite, Festival de Teatro Clásico de Almagro y Jornadas de Teatro Clásico de Almería

Viernes 22 y sábado 23 de julio, 22,30 horas

CENTRE TEATRAL DE LA GENERALITAT VALENCIANA
Los Locos de Valencia
de Lope de Vega

Versión y dirección: Antoni Tordera

Por aquellos años en que vivía Lope de Vega, los caminos estaban transitados por gente muy diversa: músicos, buhoneros, compañías de teatro de la lengua, moriscos y judíos marchan- do al exilio o huyendo de la policía… A las puertas de Valencia, junto a las murallas y cerca de la Casa de los Locos, hay acampados algunos grupos. Entre los habitantes de estos campamentos está Floriano, huido de Zaragoza tras haber cometido un crimen. Allí conoce a Erifila, una joven mora que ha escapado del matrimonio concertado por sus padres, y que llega con su amante, un criado que le roba joyas y ropas. Ambos tienen razones personales para entrar en el manicomio, fingirse locos y así pasar desapercibidos.

Es en este escondite donde surge el amor, con todo su esplendor sensual, música, celos y fin- gimientos. Lope construye una comedia próxima a la farsa, un enredo que gira en torno a la locura del amor, dentro de un espacio tan singular como la Casa de los Locos.

Antoni Tordera, autor de la versión y director del montaje, ha publicado ensayos sobre teatro en Canadá, Estados Unidos, Bélgica, Francia, Inglaterra, Italia y Alemania. Compagina la dirección escénica con la docencia en la Universidad de Valencia y con la dirección, desde 2005, del Festival Medieval de Elche.

Reparto
Floriano: Martín Cases
Valerio: José Montesinos
Leonato: Jaime Linares
Erifila: Rebeca Valls
Pisano: Manuel Puchades
Tomás: Paco Vila Martín:
Manolo Ochoa
Fedra: Lorena López
Laida: Reyes Ruíz Fregolín / Liberto / Caballero / Mordaco: Panchi Vivó Verino / Calandrio: Joan Carles Roselló
Versión y dirección: Antoni Tordera
Música original y diseño de banda sonora: Pep Llopis
Diseño y realización de escenografía: Luís Crespo
Diseño y realización de vestuario: Pascual Peris
Diseño de iluminación: Miquel Llop
Profesor de verso: Gabriel Garbisu
Producción: Centre Teatral de la Generalitat Valenciana

Miércoles 27 de julio, 22,30 horas
NAO D’AMORES Y TEATRO DA CORNUCÓPIA

Dança da Morte / Dança de la Muerte
Dramaturgia y dirección: Ana Zamora

Las Danzas de la Muerte son un tema de extensión inabarcable, ocupan diversos territorios literarios, participan de múltiples manifestaciones artísticas y se relacionan con el teatro, la música, la danza, el folclore y otros fenómenos artísticos y sociales. Aunque aún hoy tengamos grandes incertidumbres en torno a su origen y desarrollo, podemos afirmar que llegaron a invadir todo el último medioevo europeo, constituyendo un ejemplo de transmisión cultural sin precedentes, saltando de país en país en un cúmulo de relaciones, de influencias entre artistas, poetas y creadores.

Siguiendo esta vía de intercambio intercultural, base en la constitución del carácter europeo, Nao d ́amores (España) y el Teatro da Cornucópia (Portugal), con Ana Zamora y Luis Miguel Cintra al frente, abordan una producción conjunta, un espectáculo inspirado en textos espa- ñoles y portugueses de los siglos XV y XVI, que giran en torno a la temática de la Danza Macabra. Un montaje que integra el trabajo actoral, el teatro de títeres y la interpretación musical en directo con reproducciones de instrumentos de la época, para recrear un género dramático, que fue el motivo favorito de una sociedad que terminaba su existencia y que en ella plasmó su mensaje de sátira y de esperanza. Dança da Morte /

Dança de la Muerte, es una fantasía de la imaginación popular, un viaje en el tiempo para revivir los mitos que ayudaron a mitigar el absurdo de la muerte, desde el con- texto actual en el que se tiende a negarla y a alejar su recuerdo, en el que hemos sustituido el anhelo ancestral de la inmortalidad por la ficción inmadura de la amortalidad.

Intérpretes: Luis Miguel Cintra, Sofía Marques, Elena Rayos
Músicos: Eva Jornet (flautas, cromorno y chirimía), Juan Ramón Lara (viola de gamba y fídula), Isabel Zamora (órgano)
Arreglos y dirección musical: Alicia Lázaro
Coreografía: Javier García Ávila
Escenografía / Asesor de títeres: David Faraco
Vestuario: Deborah Macías
Diseño y realización de atrezo: Ricardo Vergne
Iluminación: Miguel Ángel Camacho, Pedro Yagüe
Asesor de verso: Vicente Fuentes
Dramaturgia y dirección: Ana Zamora

Viernes 29 y sábado 30 de julio, 22,30 horas

UR TEATRO
Macbeth de William Shakespeare
Dirección: Helena Pimenta

Una obra de siempre. Una de las más grandes tragedias de Shakespeare que nos proponemos servir al público de hoy con imaginación, rigor y compromiso.

Una nueva mirada, necesariamente profunda, a la historia de este héroe convertido en villa- no que es Macbeth. Su periplo de ascensión y caída, guiado por una ambición desmedida, nos concierne.

Macbeth, en su alocada carrera contra la incertidumbre que supone el vivir, no sólo se destruye a sí mismo y a cuanto le rodea, sino también, la ilusión que impulsa a la humanidad a ponerse en pie cada día, negociando con dignidad con nuestra vida mortal. Elegir ser un cana- lla puede parecer más rentable, desde un punto de vista práctico, que elegir ser honesto.

Shakespeare nos abre una ventana a través de la que contemplamos cómo operan los meca- nismos del mal y espera que saquemos nuestras propias conclusiones. La siempre poderosa palabra shakespeariana se alía, en esta ocasión, con composiciones de la ópera de Verdi del mismo título, interpretadas por el Coro de Voces Graves de Madrid y, con otros temas creados por el director musical del espectáculo; Iñaki Salvador, en un diálogo que contribuirá a dar cuenta del contraste de atmósferas, emociones y sentimientos que pueblan esta magnífica obra.

Helena Pimienta.

Reparto:
Macbeth: Jose Tomé
Lady Macbeth: Pepa Pedroche
Duncan / Macduff: Óscar S. Zafra
Banquo / médico: Javier Hernández-Simón
Ross / asesino: Tito Asorey
Malcom: Belén De Santiago
Lady Macduff / enfermera: Anabel Maurín
Interpretación coral: Coro de Voces Graves de Madrid
Reparto rodaje audiovisuales: Mercedes del Castillo (Brujas), Enrique Onetti, Carlos Hernández y Luis Miguel Rodríguez (Soldados), Sacha Tomé (Niño)
Escenografía y Dirección Audiovisuales: José Tomé
Diseño de audiovisuales: Emilio Valenzuela y Eduardo Moreno
Iluminación: Felipe Ramos
Vestuario: Alejandro Andújar
Dirección musical: Iñaki Salvador
Dirección coro: Juan Pablo De Juan
Fotografía: David Ruano
Diseño gráfico: Tato Santiago

Una producción de Ur Teatro

Dirección de producción: Sus Domínguez
Dirección: Helena Piment

15, 16, 22, 23, 29, 30 de julio. 22 horas
T’OMBLIGO TEATRO
Antes de la función

El espectador, camino de la función, puede cruzarse en cualquier rincón con algún persona- je salido de un libreto, creado por los grandes genios del Siglo de Oro.

22 15 de julio, 20 horas

MORBORIA TEATRO
Barrocos
Dirección: Eva del Palacio

No hay marcha atrás, ya todo está preparado para la inauguración del Festival de Teatro Clásico de Olite que tendrá lugar el quince de julio de dos mil y once año de nuestro Señor.

A la hora convenida saldrá una espectacular comitiva barroca de egregios personajes; hay mucha expectación, un carruaje tirado por cuatro magníficos caballos blancos abrirá el des- file. El cochero guiará hábilmente el carro de sus majestades por las estrechas callejuelas… Todos los participantes festejarán entre risas, bailes y jolgorio tan singular acontecimiento. La fiesta invadirá las calles de la ciudad de Olite sorprendiendo a los transeúntes despistados que se verán involucrados en el paseo…

Por fin ha llegado el tiempo del teatro, del teatro clásico y hasta aquí llegarán los más insignes poetas del Siglo de Oro: Quevedo, Sor Juana Inés de la Cruz, Moreto, Francisco de Rojas Zorrilla, Lope de Vega, Calderón, Cervantes…

Cómicos y público en general podrán acercarse a sus autores y personajes preferidos para obtener un autógrafo o ser obsequiados con un poema.

Caracterización: Fernando Aguado
Maquillaje: Ana del Palacio
Diseño vestuario: Fernando Aguado, Eva del Palacio
Realización vestuario: Ana del Palacio
Zapatería andante: Fernando Aguado
Animales y carruajes: Paco Ardura
Técnicos Morboria: Paco Sánchez, Ana Jiménez, Irene Eríz, Ana del Palacio
Maestro de armas: Nacho Fernández
Técnico: Trajano del Palacio
Administración: Javier Pujol
Secretaria: Julia Aguado
Producción ejecutiva: Morboria
Dirección: Eva del Palacio

24 23 de julio, 18 y 20 horas

COMPAÑÍA DE CIRCO MAINTOMANO
La caja de pandora

Espectáculo circense medieval para todos los públicos que combina los malabares, la acrobacia, el trapecio, la participación del público y sobre todo el humor en una pequeña historia que nos presenta a Pandora y su lacayo Acacio. Artistas singulares dispuestos a maravillar a todo aquel que presencie su espectáculo.

Reparto
Pandora: Morgane Jaudou
Acacio: Marcos Rivas
Músicos: Victorico Javier y José Requejo

25 27 de julio, 20 horas

COMPAÑÍA MALABAR
Las marquesas en-cantando

El espectáculo recrea un baile que tiene lugar en la corte de Luis XVI, el 13 de julio de 1789, jus- to la víspera de la toma de Bastilla, detonante de la Revolución Francesa.

Cuatro marquesas con sus trajes y pelucas dieciochescas acompañadas por su criado, un músico que resulta ser revolucionario, protagonizan un extravagante musical con canciones de la época y coreografías que nos transportarán a pleno siglo XVIII.

Estas exquisitas marquesas, además de cantar, jugarán con el público congregado en la Plaza Carlos III el Noble, y danzarán al estilo de la “comedia dell’arte” mientras su criado-músico expresa sus estados del alma.

La coreografía cuenta con danzas propias de los salones de palacio como la pavana y el minueto, así como coreografías más rurales como la bourrée, el rigodón y la giga.

Creación de Sylvestre Jamet
Música de Emmanuel Valeur y Frédéric Wheeler
Actores – cantantes: Juliette Pradelle, Julia Malançon, Laurence Nicolas, Claude Hébrard
Técnica: Stéphane Bougnoux
Músico: Gabriel Dessaux

CLAUSURA
31 de julio, 22,30 horas

TEATRO DO MAR
Solum
Concepto y dirección: Julieta Aurora Santos

Solum es un espectáculo de calle, multimedia y no verbal, representado en una estructura escénica de gran tamaño, alusiva a un árbol. Cruzando el teatro físico y visual con los lengua- jes del circo y la acrobacia aérea, de la danza, del vídeo y de la música original, Solum se detiene esencialmente en la naturaleza humana y en la transformación de nuestras raíces cultura- les y afectivas, frente a una idea de progreso y globalización. Del natural al artificial, del cuerpo real al cuerpo digital, del compartir al aislamiento, de la raíz esencial al fruto de nuestros tiempos, Solum termina revelándose, en el final, como una alegoría al árbol “de la vida”, una metáfora de la conciencia universal, de la fuerza creadora de toda la existencia.

Concepto, dirección y movimiento: Julieta Aurora Santos
Actores: Ana Pontes, Carlos Campos, Clara Marchana, Luís João Mosteias, Sérgio Vieira
Escenografía, utilería, Diseño y Construcción: João Calvário
Concepto: Eurico Coelho; Julieta Aurora Santos
Vídeo: Eurico Coelho
Banda Sonora: Tiago Inuit
Disfraces: Maria Matos
Diseño de luces: Hugo
Custódio Asistencia y Construcción Atrezzo: Hugo Custódio, Ivo Vieira; Fernando Areal
Dirección Técnica: Luís João Mosteias
Cartel: António CAetano
Imagem: Eurico Coelho
Colaboraciones: Edgar Cortes; Luís Cruz
Producción: Contra-Regra – AAC

28 17 de julio, 22,30 horas

COMPAÑÍA RAKATÁ

El castigo sin venganza
de Lope de Vega
Dirección: Ernesto Arias

¿Cómo actuar o proceder cuando lo que uno “desea hacer” se contradice con lo que uno “debe hacer”? ¿Quién no ha pedido consejo por estar en el aprieto de tener que decidir si seguir “al corazón” o a “la razón”? ¿Quién podría decir cuál de las dos posibilidades garantiza que las cosas salgan bien? ¿Quién se atrevería a juzgar cuál es la manera correcta de proceder ante esa situación?

En El castigo sin venganza no hay buenos ni malos comportamientos; no hay injusticias contra las que rebelarse, no hay malvados ni tiranos que provocan situaciones dramáticas. Es una situación en la que todos los personajes tratan de hacer lo correcto y evitar sufrimientos, aunque no consiguen impedir la tragedia.

Considerada como la culminación de la variada obra dramática de Lope de Vega, El castigo sin venganza es un buen ejemplo de la mejor técnica, talento y sabiduría del autor. Rakatá, experta en abordar textos teatrales clásicos y contemporáneos, nos redescubre la riqueza escénica y formal de esta obra en una versión del grupo Prolope.

Reparto
Duque de Ferrara: Mario Vedoya
Casandra: Alejandra Mayo
Federico: Rodrigo Arribas
Batín: Jesús Fuente
Aurora: Lidia Otón
Marqués Gonzaga: Bruno Ciordia
Ricardo: Jesús Teyssiere
Floro: Manuel Sánchez Ramos
Lucrecia: Belén Ponce de León
Voz en off: Jordi Dauder
Canción: Patricia Kraus
Dirección: Ernesto Arias
Versión: Grupo PROLOPE

21 de julio, 22,30 horas

TRANVÍA TEATRO / LA FUNDICIÓN
María Estuardo
de Friedrich Schiller

Dirección: Pedro Álvarez-Ossorio

Isabel, Reina de una supuesta Inglaterra, que podría ser cualquier país y en cualquier época, debe tomar una decisión sobre el futuro de su pariente y enemiga María a la que mantiene pre- sa en el castillo de Fotheringhay. Su Consejo de Estado la ha condenado a muerte y en sus manos está indultarla o mandar cumplir la condena. Estos antecedentes dan pie a una obra en la que se manifiestan posicionamientos ideológicos y de intereses que desvelan un amplio debate sobre los límites del Poder del Estado; las tramas que esconden intereses bastardos; las consecuencias de los nacionalismos exacerbados y del terrorismo; las decisiones que res- ponden a intereses económicos o de mantenimiento de nuestro poder o el de nuestro grupo.

María Estuardo nace de la iniciativa y colaboración de dos compañías: Tranvía Teatro de Zaragoza y La Fundición de Sevilla; ambas, que se distinguen por montar textos contextuali- zados en lo contemporáneo, han versionado este texto escrito en el XVIII y cuya trama histó- rica aconteció en el XVI porque su idea de fondo sigue vigente en nuestros días: los persona- jes se mueven por intereses del poder por encima de sus conflictos humanos.

Reparto
Isabel, Reina de Inglaterra: Cristina Yánez
Margaret Cecil, Baronesa de Burleigh: Ma José Moreno
María Estuardo: Ana Ropa
Guillermina Davison, secretaria de la Reina Isabel: Yvonne Medina
Robert Dudley, Conde de Leicester : José Chaves
jorge Talbot, Conde de Shrewsbury: Emilio Alonso
Sir Mortimer: Miguel Pardo
Dirección y puesta en escena: Pedro Álvarez-Ossorio
Diseño de escenografía: Juan Ruesga Navarro, Vicente Palacios
Diseño de vestuario: Asunción Trallero, Remedios Ortega
Diseño iluminación: Ada Bonadei
Composición musical: Miguel Ángel Remiro
Coreografía: Manuel Cañadas
Caracterización: Ana Bruned
Diseño audiovisual: Ana Álvarez-Ossorio
Diseño gráfico: Samuel Aznar
Fotografía: Juan Moreno
Ayudante de dirección: Ana Álvarez-Ossorio
Dirección de producción: Fernando Vallejo, Guiomar F. Troncoso

24 a 26 de julio, 22,30 horas

e-class (3
Las escuelas de arte dramático de Castilla y León, Canarias y Málaga presentarán en Olite sus montajes de fin de curso. Por tercer año, el Festival sirve de escaparate a los futuros actores y actrices que en breve saltarán al mundo profesional.

24 de julio
ESCUELA DE ACTORES DE CANARIAS
Los amores del Fénix

25 de julio
ESCUELA SUPERIOR DE ARTE DRAMÁTICO DE CASTILLA Y LEÓN
El sueño de una noche de verano
de William Shakespeare

26 de julio
ESCUELA SUPERIOR DE ARTE DRAMÁTICO DE MÁLAGA
La cena del rey Baltasar
de Calderón de la Barca

33 28 de julio, 22,30 horas
SECUENCIA 3
La Celestina
de Fernando de Rojas

Versión: Eduardo Galán
Dirección: Mariano de Paco Serrano

En esta nueva versión de La Celestina he buscado el dinamismo de la acción, el ritmo de los conflictos, la rapidez del paso del tiempo, para reflejar la idea central de la obra: el “carpe diem”, la brevedad de la vida, la necesidad –como dice Celestina a Melibea de disfrutar de la juventud antes de que la vejez arruine la belleza. “¿Cómo no disfruté más del gozo?” se lamenta Melibea al ver morir a su amado Calisto.

Para ello, he realizado una labor de síntesis y me he visto obligado a reducir los extensos par- lamentos del original, a recortar sus constantes enumeraciones, a suprimir las permanentes citas históricas y literarias, a respetar, en general, el léxico de la época a la vez que he sustituido algunos arcaísmos por palabras comprensibles para el espectador de hoy, sin caer en modismos de nuestro tiempo.

En mi opinión, Celestina es una mujer llena de fuerza y vida, una mujer seductora con la pala- bra, “que a las piedras movería a la lujuria”, una mujer avara, además, y hechicera… Y, como dice Pármeno, “una puta vieja”.

Con esta versión, en fin, me gustaría acercar también la tragicomedia a públicos más jóvenes y rozar la piel del alma de quienes acudan a ver “nuestra” Celestina (de Gemma Cuervo y de los demás actores, del director Mariano de Paco, del equipo artístico y de producción).

Eduardo Galán, autor de la adaptación

Reparto
Celestina: Gemma Cuervo
Melibea: Olalla Escribano
Calisto: Alejandro Arestegui
Sempronio: Juan Calot
Pármeno: Santiago Nogués
Areúsa: Natalia Erice
Elicia: Rosa Merás
Lucrecia: Irene Aguilar
Pleberio: Manuel Gallardo
Versión: Eduardo Galán
Director: Mariano de Paco Serrano
Ayudante de dirección: Pablo Huetos
Música: Tomás Marco
Espacio escénico: David Deloaysa
Iluminación: Pedro Yagüe
Diseño Vestuario: Maika Chamorro
Espacio sonoro: Manuel Llada
Diseño gráfico y fotografía: Pedro Gato
Producción: Secuencia 3, SMedia (Enrique Salaberría), Txalo Producciones (Xabier Aguirre – País Vasco), Alberto Blasco, Arteatro (Madrid).

30 de julio, 22,30 horas
TEATRO DEFONDO

El maestro de danzar
de Lope de Vega
Dirección: Vanessa Martínez

El maestro de danzar cuenta la historia de Aldemaro, que recién llegado a Navarra desde Nápoles, queda enamorado de Florela, una joven cuya hermana acaba de contraer matrimo- nio con el noble Tebano. Aldemaro, para acercarse a Florela, se hace pasar por un humilde maestro de danzar que ofrece sus enseñanzas en la casa.

La obra es una de las más notorias y menos representadas de Lope desde su estreno en 1594. Se trata de una pieza de juventud, una delicatessen casi desconocida y que fue llevada a la esce- na cuando Lope apenas contaba treinta años. El texto tiene todos los ingredientes de la comedia de enredo, la intriga derivada del equívoco del mensaje, los lances de amor, escenas de celos, duelos cómicos… Pero la estructura de El maestro de danzar se afianza sobre el pilar de la música y la danza; los instrumentos y los bailes sirven de artimañas y códigos para encubrir, proteger y prestar imágenes a la conquista amorosa y toda su peripecia de requiebros.

Teatro Defondo, bajo la dirección de Vanessa Martínez, nos acerca a un divertido mundo de surrealismo y juegos escénicos donde el amor pugna por encontrar su camino entre hermanas celosas, maridos suspicaces, amantes y padres ofendidos.

Reparto
Aldemaro: Vicente Colomar
Florela: Eva Higueras
Feliciana: Maya Reyes
Vandalino: Pablo Huetos
Tebano: Javier Román
Alberigo: César Sánchez
Lisena: Gemma Solé / Olga Mata
Músicos Violín: Melissa Castillo
Violín: Isaac Pulet / David Santacecilia
Viola de gamba: Laura Salinas
Laúd: Ramiro Morales
Dirección: Vanessa Martínez
Espacio escénico y vestuario: Almudena Vello
Iluminación: Rafael Echeverz
Coreografía: Raquel Pastor
Dirección musical: David Velasco
Diseño gráfico: Diego Areso
Ayudante de dirección: Ángel Luis Ojea Producción: Pablo Huetos

21a 28 de julio

Proyecto La Barraca
Acción Cultural Española AC/E ha organizado la sexta edición de Las huellas de La Barraca, cuyo tema central para 2011 es “La Barraca en la Universidad”, ya que este año se quiere reme- morar el estreno en 1932 de La vida es sueño, de Calderón de la Barca, en el Claustro de San Bernardo de Madrid, representada por Federico García Lorca y sus actores.

Tres de los montajes seleccionados visitarán Olite durante el festival de teatro clásico.

• Égloga de Placida y Vitoriano
• El caballero de Olmedo
• El (joven) burlador

Plaza de Cantarería 38

21 de julio, 20 horas
LABORATORIO ESCÉNICO UNIVERSIDAD DE VALLE COLOMBIA

Égloga de Placida y Vitoriano
de Juan del Encina
Dirección: Ma ZhengHong, Alejandro González Puche

La Égloga de Placida y Vitoriano (1513) presupone un punto de culminación de la obra dramá- tica de Juan del Encina. El autor, que trata de permanecer ajeno a las influencias italianas, involucra en ésta, su obra más larga, personajes paganos y dioses mitológicos. El texto tiene un marcado homenaje a La Celestina, con la aparición de personajes como la alegre Flugencia y Eritea, una bruja casamentera. En la Égloga de Placida y Vitoriano se recrea el espíritu de una Arcadia compuesta por nobles y pastores víctimas de Cupido y Venus; plantea el conflicto entre el amor carnal y el amor ideal. La obra es interpretada por jóvenes actores de Cali, bajo la dirección de Ma ZhengHong y Alejandro González Puche.

Reparto Nataly Agudelo, Roberto Garcés, Andrés Moreno, Rubén Prado, Diana Valencia, Jessica Serna, Alexander Buitrón, Evelyn Rodríguez, John Sevillano
Directores: Ma ZhengHong, Alejandro González Puche
Director musical: Carolina Romero
Escenografía: Pedro Ruiz
Vestuario: Carlos Cubillos

22 de julio, 20 horas

AULA DE TEATRO DE LA UNIVERSIDAD DE MURCIA
El caballero de Olmedo
de Lope de Vega
Dirección: Fernando Vidal

El caballero de Olmedo es una de las obras maestras del teatro español del Siglo de Oro. Basada en una antigua leyenda, bien conocida por el público de Lope, El caballero de Olmedo es una historia de amor, celos y muerte. Cuenta cómo un valiente caballero de Olmedo, don Alonso, estando de visita en la feria de Medina, se enamora de la joven doña Inés. Gracias a los arre- glos de la celestina Fabia y su fiel criado Tello, don Alonso logra conocer a su amada e incluso obtener su mano. Sin embargo, las profecías no le son favorables y, ciego a las distintas adver- tencias que pronostican un terrible destino, don Alonso decide volver a Olmedo a ver a sus padres y es finalmente asesinado en el bosque por su rival de amores, don Rodrigo. Con un lenguaje poético y un verso lleno de imágenes, Lope nos conduce de la comedia a la tragedia, del amor gozoso a la muerte, por culpa de un destino ineludible.

Reparto
José Muñoz Sánchez, Patricia Gamuz González, Ana Belén García Fernández, Alejandra Ramos Riera, Heriberto Feliciano Rodríguez, José Ramón de Moya Fernández, Miguel García Alonso, Emara Pagán Díaz
Construcción y manipulación de muñecos y escenografía: Fernando Vidal
Producción: Inmaculada Abenza y Carmen Veas
Taller de verso e interpretación: César Oliva Bernal
Dirección: Fernando Vidal

28 de julio, 20 horas
LA CALDERONA, UNIVERSIDAD PONTIFICIA CATÓLICA DE CHILE
El (joven) burlador
de Tirso de Molina
Dirección: Daniel Gallo Orrego

Un joven don Juan, amparado por su círculo social, va buscando aventuras y viviendo amorí- os, sin conciencia de lo que su irresponsable conducta acarrea para las mujeres que engaña, como también para sus familias.

En esta visión latinoamericana de El burlador de Sevilla encontraremos una puesta en escena inspirada en las formas antiguas del teatro de calle, como el perfil pedagógico y sencillo de las fiestas medievales, el carácter lúdico de las estrategias escénicas, visuales y musicales de la Commedia dell’ Arte y el agudo trabajo crítico de los textos de la comedia barroca. Los ritmos latinoamericanos construyen, a su vez, un burlador caprichoso y festivo.

Reparto:
Ignacia Agüero, Milena Bastidas, Mariel Castro, Ornella de la Vega, Leonel Arregui, José Chahín, Ramón Gutiérrez, Germán Pinilla
Músicos: David González, Erasmo Menares
Versión y Dirección escénica: Daniel Gallo
Coordinación proyecto: Macarena Baeza
Producción general: Mario Costa
Producción en ruta: Javiera Guillén
Asesoria dramatúrgica: Inés Stranger
Diseño integral: Estefanía Larraín.
Asesoría verso: Sara Pantoja
Arreglos y composición musical: David González

30 de julio, 20 horas
PABLO DEL MUNDILLO
El cómico de los caminos
Dirección y concepción: Pablo del Mundillo

Tuerto de un ojo, ciego del otro, medio sordo, manco, cojo… ¡¡¡y sin un huevo!!! («que todos los pares del cuerpo los tengo nones»), este pícaro-cómico escenifica en verso del Siglo de Oro toda una vida de desventuras en las que va perdiendo las diferentes partes de su cuerpo, siem- pre de una forma optimista, alegre, con mucho humor, sabiéndose reír de sí mismo y conta- giando esa alegría de la risa. ¿Perderá algo más en Olite?

PALACIO DE LOS REYES DE NAVARRA
SALA DE LOS ARCOS

15, 16, 22, 23, 29 y 30 de julio, 20 horas

LA NAVE Verso/osreV

¿Cuántas veces nos hemos preguntado sobre la actualidad del verso? ¿Por qué se sigue haciendo el teatro en verso? ¿Sólo porque forma parte de nuestro patrimonio?

En Verso/osreV queremos hacer llegar al público, a las personas que forman el público, del Festival de Teatro Clásico de Olite, nuestro amor por el verso, por esa forma de decir que agranda y mejora los contenidos dramáticos de los grandes autores áureos. A través del juego, de la participación, aprenderemos a valorar, a saborear, a disfrutar de un legado único en la cultura teatral española: el verso.

Actores: Marta Juániz, Miguel Munárriz

16 de julio, 20,30 horas. Entrada libre

PENTAPHONÍA BRASS

Oligitum Estreno de Oligitum, una composición de Vicente Egea para quinteto de metales, inspirada en el Palacio de Olite.

Oligitum es una coproducción del Festival de Teatro Clásico de Olite y el Ayuntamiento de Olite.

CÓMO CONTAR LOS CLÁSICOS A LOS NIÑOS

18 a 22 de julio, 18 horas

TEATRO BAJO LA ARENA
Erase una vez… Macbeth
Dirección: Rosario Pardo

Cae la noche y es hora de dormir. Alguien, ese pequeño compañero al que alimentamos, nos pide un cuento. ¡Horror! ¿Qué contar? En nuestra memoria surgen relatos, historias, aven- turas, fábulas, hasta colores, pero no hay en nuestros recuerdos cuentos nuevos que contar. ¿Qué hacer entonces ante la insistencia de ese pequeño que no nos deja marchar sin su ración de fantasía? No queda más remedio que claudicar. Ofrecerle esa historia que le deje satisfe- cho por esta noche. ¿Pero qué cuento le cuento? Porque el cuento de mi cansancio no ha sido suficiente. Entonces somos valientes, arriesgados y nos atrevemos con aquella obra clásica vista. Es cuando empezamos, y comenzamos por el principio: “Erase una vez…” Erase una vez…

Macbeth (comienza como todos los cuentos) nos cuenta la historia de un noble general que vivía en Escocia, valiente y… Sediento de ambición emprende el camino hacia la gloria, hasta que el bosque le muestra su destino. Como todos los relatos posee los ingre- dientes de magia, misterio y tragedia que envuelven el cuento, que dan forma y color al entra- mado que el protagonista tiene que sortear para llegar hasta el final.

Esta adaptación que Teatro Bajo la Arena hace del clásico Macbeth de Shakespeare para públi- co familiar, está representada en formato de narración oral. Por otro lado, por detrás o apo- yando el cuento, surgen los personajes de la obra, como sombras inertes que acercan al espec- tador más joven al lenguaje shakespiriano. La versión de este relato oral nos acerca al clásico teatro isabelino, donde el público no era ignorado, como si no estuviese allí.

Reparto
Pablo Lujife, Ana Sola, Javier Ibáñez
Espacio escénico: Santiago Rivas
Diseño vestuario: Ana Sola
Diseño Iluminación y sonido: L.J.F.
Diseño de imagen: Maite Arilla
Técnico: Jose Ucle
Composición musical: Jaime Rivas
Producción ejecutiva: Teatro Bajo la Arena, Luis Jiménez
Dirección: Rosario Pardo
Una producción del Festival de Teatro Clásico de Olite

23 y 24 de julio, 18 horas

DANTE TEATRO
Blop!
Dirección: Adolfo Simón

Blop! con «B» de Barroco es una aventura escénica plástico-sensorial para bebés de 0 a 3 años donde la música del Barroco sirve como hilo musical para que los niños disfruten de paisajes sensibles, siendo acariciados desde tan temprana edad por una música hermosa y culta, des- cubriéndoles que nuestro bagaje cultural les pertenece aunque ellos estén recién llegados al mundo que habitamos.

Intérprete: Raquel Alarcón
Espacio Escénico e Iluminación: Santiago López
Vestuario: Roberto Martínez
Asesoramiento Poético: Ana Martín-Puigpelat
Asesoramiento Musical: Elena García Sáenz de Tejada
Música: Fragmentos musicales de Bach y Boccherini
Ayudante de Dirección: David Utrilla
Autor y Director: Adolfo Simón

MUSEO DEL VINO
17, 23 y 30 de julio, 19,30 horas

El vino del personaje Por tercer año, el festival ha propuesto a tres directores de escena que definan en pocas pala- bras las características de algunos personajes de la obra que su compañía va a representar en Olite. A continuación, un enólogo buscará algunos vinos que se correspondan con esas características, es decir, que sean el vino del personaje.

El día de la función enólogo y director entablarán un diálogo sobre los personajes y sus corres- pondientes vinos, en un encuentro en el que el público podrá catar los caldos seleccionados

• 17 de julio, domingo: Ernesto Arias, director de El castigo sin venganza
• 23 de julio, sábado: Toni Tordera, director de Los Locos de Valencia
• 30 de julio, sábado: Helena Pimenta, directora de Macbeth

e-class (3)
(Tercer Encuentro de Escuelas Superiores de Arte Dramático en torno a los Clásicos)

Además de las representaciones de las escuelas de arte dramático, esta edición de e-class cuenta con una importante novedad: el Curso de Iniciación al Teatro Prebarroco diseñado específicamente para el Festival de Olite y destinado a los estudiantes de arte dramático que visitarán la ciudad. El curso se desarrollará durante los días 25 y 27 de julio, e incluirá tres conferencias abiertas al público.

El equipo de Nao d’amores será el encargado de las sesiones teóricas. Las materias a tratar serán las siguientes

• Sentido contemporáneo del teatro prebarroco. Ana Zamora
• Recursos fonéticos y lenguaje poético del medioevo y renacimiento. Vicente Fuentes
• Técnicas interpretativas para abordar el prebarroco. Ana Zamora
• El teatro de títeres como recurso expresivo en el teatro clásico. David Faraco
• Música escénica en el medioevo y renacimiento. Alicia Lázaro
• Buscando una estética elocuente para el repertorio prebarroco. Deborah Macías, Miguel Ángel Camacho
• La danza histórica y la danza popular, recursos expresivos contemporáneos en el teatro clásico. Javier García Ávila

CICLO DE CONFERENCIAS
Museo del Vino
Entrada libre hasta completar aforo Lunes 25 de julio. 16 horas

10 años de Nao d’amores: una travesía entre pasado y futuro
Ana Zamora

Martes 26 de julio. 19 horas
La muerte en danza

Conferencia dramatizada. Francesc Massip

Miércoles 27 de julio. 12,30 horas
El actor ante el teatro clásico
Luis Miguel Cintra

IGLESIA DE UJUÉ
24 de julio, 13 horas

CONCIERTO DE RAQUEL ANDUEZA Y EL GRUPO ANFIONE

“…entre llamas arder sin encenderse…”

Los poetas barrocos definen el amor como cárcel, herida, dolor, soledad, enfermedad, tiranía… y fuego: fuego del amante celoso, del amor anhelante, del amante destrozado pero también del amor espiritual, místico, llama de amor viva.

Y cuando la música quiere traducir el tormento, la insatisfacción, la agitación del alma busca en los poetas imágenes verbales-musicales nítidas, adecuadas para el juego retórico del contraste y la exageración, y aquí la metáfora del fuego es una constante en los textos musicales escogidos por los compositores.

El amplio universo de las emociones humanas perfectamente expresado en las palabras del poeta Quevedo: “…entre llamas arder sin encenderse…

” Raquel Andueza, soprano
Nacida en Pamplona, inicia su formación musical a los seis años. Posteriormente, becada por el Gobierno de Navarra y el Ayuntamiento de Londres, amplía estudios en la Guildhall Shool of Music and Drama de Londres, donde en al año 2000 obtiene el Bachelor of Music con mención honorífica y recibe el premio School Singing Prize. En el año 2000 conoce al maestro Richard Levitt, quien ha sido su referente hasta el presente. En 2003 pasa a formar parte del cuarteto vocal La Colombina; en ese mismo año funda junto al tiorbista Jesús Fernández Baena un dúo especializado en música italiana del siglo XVII y en 2010 el grupo La Galanía.

Actúa como solista en los principales festivales y auditorios de toda Europa (París, Madrid, Barcelona, Bruselas, Utrecht, Praga, Bucarest, Viena, México, Nápoles, Granada, Londres), y en 2004 hace su debut en Estados Unidos en el Sundin Hall de Minneapolis. Ha sido dirigida por directores como William Christie, Fabio Biondi, Emilio Moreno, Jacques Ogg, Monica Huggett, Eduardo López-Banzo, Christina Pluhar, Andoni Sierra, Richard Egarr, Ottavio Dantone, Ernest Martínez-Izquierdo, Christian Curnyn, Pablo Heras, Sir Colin Davis, Jordi Casas, etc.

Raquel es invitada para impartir cursos de canto en el Teatro Real de Madrid, así como en las universidades de Burgos y Alcalá de Henares. Ha realizado grabaciones para sellos discográficos como Virgin Classics, Glossa, K617, NB Musika, Accentus y Zig-Zag Territoires. En 2010 crea su propio sello discográfico, Anima e Corpo, lanzando en febrero de 2011 el disco Yo soy la locura.

Intérpretes
Raquel Andueza, soprano
Anfione
Belén Sáenz, violín
Marisa Echeverría, violín
Sergio Barcellona, viola da gamba
Jesús Fernández Baena, tiorba

Una producción del Festival de Teatro Clásico de Olite.

GALERÍAS MEDIEVALES
Del 15 al 31 de julio
EXPOSICIÓN

Vestuario de la Compañía Nacional de Teatro Clásico

Las Galerías Medievales albergarán una colección de trajes utilizados en los montajes de la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Estas magníficas piezas de vestuario han sido diseña- das por los mejores figurinistas del panorama nacional, como Javier Artiñano, Carlos Cytrynowsky, Miguel Narros, Rosa García Andujar, Lorenzo Caprile, Almudena Rodríguez Huertas o Pedro Moreno.

La colección incluye, por ejemplo, los trajes de Lucrecia (La verdad sospechosa), Estrella (La estrella de Sevilla), don Juan de Austria (Amar después de la muerte), doña Juana (Don Gil de las calzas Verdes) y Leonardo (¿De cuándo acá nos vino?).

NOTICIAS EL FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DE OLITE, UNO DE LOS DIEZ INVITADOS EN EL PROGRAMA ALT.11 El Festival ALT.11

El festival ALT  de Galicia cumple diez años, y para ello ha desarrollado un proyecto inédito. Ha invitado a diez festivales y eventos, a elaborar la programación de esta décima edición según sus criterios artísticos y su comprensión del festival

Diez directores representantes de diez festivales y estructuras van a colaborar en la programación del ALT.11. Esto será un hecho único en la historia de los festivales de carácter contemporáneo ya que nunca antes se hizo.

Así pues el ALT. tendrá un carácter multidisciplinar en toda la extensión de la palabra con una riqueza de propuestas que partirán de lo que cada director elija puntualmente para el mismo.

Según fuentes del festival, los elegidos para poner las diez velas de trayectoria del ALT son, como no podía ser de otra manera, diez de los mejores representantes en el ámbito estatal y también internacional, de la realidad de las artes escénicas contemporáneas.

Junto con el Festival de Teatro Clásico de Olite, algunos de los invitados son: Festival Teatro a Corte de Italia, el Festival Citemor (Portugal), el Festival Veo de Valencia, el Proyecto Alhondiga de Bilbao y el Teatre Lliure de Barcelona.

EL FESTIVAL DE OLITE COPRODUCE CON EL FESTIVAL DE ALMAGRO Y LAS JORNADAS DE ALMERÍA EL INVISIBLE PRÍCIPE DEL BAÚL

El Festival da otro paso más en su trayectoria y afronta este proyecto del máximo nivel

El diseño de la coproducción se lleva trabajando durante mucho tiempo entre los directores artísticos de los festivales y supone una importante colaboración entre los mismos.

La presentación pública de la coproducción El Invisible Príncipe del Baúl, en la que participan los festivales de teatro de Olite y Almagro, y las Jornadas de Almería, se ha